Visitar un museo de
Arte, me hace recordar lo pesado que se me hacían las veces que de pequeña nos
llevaban de excursión a ellos.
Sin embargo he
descubierto que como todo en la vida, si te lo explican, lo entiendes y te lo
hacen ameno, puedes no solo disfrutar con la experiencia , sino además hacer
que quieras saber más , que investigues y que te llegue a gustar lo que estas
descubriendo…
Voy con una amiga a visitar por primera vez el Museo
Thyssen
Visita guiada:
Nos espera una srta,
que nos va a hacer de guía, y pienso: “esto empieza bien, porque sino yo no me
entero de nada”…
La 1ª pintura que
nos enseña es una obra de CLAUDIO DE LORENA, titulada: “Paisaje idílico con la huida a Egipto”
Claudio de Lorena
fue fundamental para las generaciones siguientes hasta Monet, era francés y en
1630 alcanzó gran notoriedad como pintor de paisajes, dentro de la pintura
franco-barroca, siendo uno de los grandes representantes del paisaje clásico del
XVII.
La 2ª obra fue una
pintura de PAUL GAUGUIN, titulada “Calle de Ruan”.
También de claro
estilo impresionista, de pinceladas discontinuas con toques muy definidos.
Representa una calle de las afueras y no un paisaje puramente campestre como
puede parecer a simple vista.
La verdad es que con estas dos primeras me
encontraba un poco perdida pero cuando vimos la siguiente y a partir de ella,
con todo lo que nos fue contando de los autores, de sus vidas etc, fue cuando
empecé a entender, y a diferenciar unas pinceladas de otras, a distinguir entre
impresionismo y realismo, a intentar ver lo que una obra cubista te está
mostrando y lo muy difícil que es esta técnica etc.
Empecé a disfrutar viendo obras de Arte,
pinturas realizadas hace muchos años.
Estaba viendo CUADROS y lo mejor, me estaba
encantando…
Lógicamente vimos
muchas pero solo hice foto a las que más me gustaban o más me trasmitían
“La
calle Saint-Honoré después del medio día” Efecto lluvia, de CAMILLE
PISSARRO.
Pintada en 1897,
cuando por motivos de salud tiene que abandonar el campo e irse a la ciudad a vivir.
Deja entonces de pintar al aire libre (sobre todo paisajes) y empieza a hacerlo desde la ventana de la habitación
de su hotel, en Paris.
Una obra Impresionista,
con una perspectiva diferente a lo que estaba acostumbrado, desde un punto
alto, nos muestra una escena captada a primera hora de la tarde. Por la calle
circulan varios coches de caballos y los peatones, que pertenecen a todos los
estratos sociales, están individualizados y no tratados como masa. Ha llovido y
todavía caen algunas gotas, lo que hace que todavía algunos viandantes lleven
abiertos sus paraguas.
“Bailarina basculando” de EDGAR
DEGAS.
Pintor
impresionista al que le apasionaba ir a la opera de Paris y por ello veía en la
danza un vehículo ideal para estudiar la figura humana en movimiento.
Dibujo y
pinto repetidamente las cambiantes actitudes de las bailarinas. Las representaba
en todo tipo posturas, ensayando o en plena representación, vistiéndose o atándose
las zapatillas, plasmando siempre su enorme esfuerzo físico y su concentración.
Degas nos introduce
en plena representación frente a un público que no se ve pero que se identifica
con los espectadores del cuadro.
Al contemplar la
pintura, nuestra mirada cae sobre la escena como si la estuviéramos viendo a través
de unos prismáticos desde un palco lateral y nos permitiese ver también entre
bastidores.
Solo una bailarina
se presenta de cuerpo entero, elevando sus brazos y su pierna izquierda,
realizando un complicado y rápido giro. Las demás están cortadas y solo podemos
ver una pierna o parte del tutu de su traje, dejándonos así a nuestra libre imaginación
el resto de su persona y el movimiento de su cuerpo
La fugacidad de la acción
es captada gracias a trazos ligeros que permite la técnica del pastel, y de la que
Degas era un virtuoso, poniéndola de moda en la Europa del XVIII para los
retratos de la alta burguesía, alcanzando la misma categoría que un oleo. Fue Degas
sin duda quien destaco como verdadero maestro de esta nueva técnica que después
adoptarían los demás impresionistas.
“Gaston Bonnefoy” de TOULOUSE-LAUTREC
Destaco como retratista
de la alta sociedad a la que pertenecía por nacimiento, al igual a la noche
parisiense y sus protagonistas a la que pertenecía por adopción.
Es un retrato de su
amigo, el médico Gaston Bonnefoy, en 1891, sobre un fondo neutro, enfatizando así
la verticalidad de la figura.
Bonnefoy, es representado de cuerpo entero, de perfil, vestido
de calle con abrigo largo, sombrero hongo y bastón levantado, como si acabara de llegar o
fuera a salir a la calle.
El hecho de que
tuviera el bastón levantado fue visto como una “broma” relacionada con su
sexualidad, como un símbolo fálico, en una posible alusión a su promiscuidad
sexual.
“Doris con cuello alto” de ERNST KIRCHNER
En 1905 junto con
otros compañeros creó la asociación de artistas Die Brucke (el puente), con la
idea de buscar novedades dentro del arte moderno alemán.
Desde su creación ,
el grupo se asocio con el expresionismo que más que un programa artístico concreto,
se convirtió para ellos en el paradigma de todo lo nuevo.
La exposición de
Van Ghogh en Noviembre de 1905 produjo una fuerte impresión en este grupo de jóvenes
que marco los primeros años del grupo.
Los colores vibrantes
y antinaturales y la manera de configurar las formas a base de pinceladas cortas,
gruesas y empastadas de este retrato ,pintado en 1906, lo enmarcan dentro del
periodo inicial de influencia de Van Gogh.
En otoño de 1911,
Kirncher se traslado a Berlin como los demás miembros del grupo y la gran metrópoli
le fascinó tanto que se ve en su pintura la transformación tanto temática como estética
que sufrió.
Le fascinaron de forma especial los artistas de circo, las
bailarinas de cabaret y las prostitutas.
“ Calle con buscona de rojo” de KIRCHNER
En 1914 pinta esta composición
donde la parte central está dominada por la figura de la buscona llamativamente
vestida de rojo, que es un símbolo a la vez burgués y anti burgués, situada en
la esquina de un cruce entre calles convirtiéndose en el centro de las miradas
masculinas, todo él pintado con estilo anguloso y deformado
La Primera Guerra
Mundial le causo un fuerte deterioro físico y mental, se traslado a Suiza donde
volvió a pintar paisajes, pero con la llegada al poder de los nacis en Alemania,
y la confiscación y destrucción de sus obras, sufrió una recaída de su estado
depresivo y se suicidó en junio de 1938
“El sueño” de FRANZ
MARC
Obra de 1912. Era hijo de un pintor de paisajes y fue
miembro fundador del grupo Expresionista alemán DER BLAUE REITER.
La escena transcurre
en mitad de la noche, como nos da a entender el color negro del cielo del
fondo.
En el lado
izquierdo se sitúa una casa amarilla, que podría simbolizar el mundo real,
mientras que el resto de la composición lo ocupa la escena del sueño. La figura
femenina desnuda, situada en el centro, que duerme sentada con las piernas
cruzadas rodeada de animales, es quizás el símbolo de la armonía entre el hombre
y el mundo animal.
El color azul para
Marc, simboliza el principio masculino, intelectual y espiritual; el amarillo
es el principio femenino, amable y sensual, mientras que considera al rojo como
el color que debía ser combatido y vencido por los otros dos .
“Mujer con mandolina” de GEORGES
BRAQUE
Pintado en 1910,
durante la primera fase Cubista, denominada analítica.
El cubismo nació
gracias al esfuerzo de Braque y de Picasso al final de la primera década del
XX, creando una nueva relación entre volumen y espacio, una nueva concordancia
entre las partes (reales o reconocibles) de los objetos o los personajes y el
espacio circundante abstracto.
En este cuadro el
artista vuelve a la figura humana, tras
dos años de pintar paisajes y naturaleza muerta. Este retorno estuvo motivado
al ver la obra de Corot , y ver como la introducción de un instrumento musical
dotaba al personaje de una quietud propia de las naturalezas muertas.
Las mujeres sentadas
con instrumentos musicales en sus manos y actitud melancólica impresionaron
tanto a Braque como a Picasso y de ahí sus respectivas obras.
Braque realizo esta
obra en formato rectangular y mas tarde otra con forma ovalada y casi simultáneamente
Picasso realizo una mujer con mandolina ovalada y otra rectangular. Con estas
dos telas ovaladas, el formato oval, propio de la pintura decorativa del XVIII
entra de lleno en el Cubismo.
Los colores se
reducen a una escueta gama de ocres, grises y marrones. No obstante, con esta
paleta tan reducida, Braque logra una gran cantidad de efectos gracias a una técnica
de pinceladas pequeñas. El fondo y la figura se funden en un entramado de líneas
verticales y horizontales.
Existen algunos fragmentos
reconocibles, como la mandolina o la mano que la sujeta, , en cambio hay otros
elementos como la cabeza y los hombros, que están integrados en el espacio
abstracto del plano del fondo que apenas son discernibles.
“Hombre
con clarinete” de PABLO
PICASSO
Una de las obras
maestras del cubismo analítico, es este cuadro pintado en el otoño de 1911,
tras haber pasado el verano junto a Braque
Nos muestra un
personaje portando un instrumento musical del que solo podemos descifrar los
signos básicos
La técnica
neoimpresionista de la que se vale Picasso, con pinceladas pequeñas y
concentradas, dan a la superficie un cierto aspecto metálico.Esta superficie no
es homogénea y produce un efecto de textura en relieve, ya que en el centro la
pintura se acumula en pinceladas gruesas, mientras que en los bordes ha sido
aplicada en capas más finas.
Prueba del que el
cubismo analítico se iba acercando a la abstracción es por lo que Picasso
somete al personaje a una fragmentación extrema pero manteniendo la
verticalidad de la figura, tal y como lo hacia con el retrato
convencional. Aunque mas bien parecen retatros de “los recuerdos” que el artista
tiene del personaje
“Cabeza de Hombre”-EL Elegante- de PABLO PICASSO
Entre 1912 y 1914,
los años del cubismo sintético. Picasso pinto numerosos retratos, superponiendo
las diferentes partes aplanadas del personaje, sin ninguna referencia de
profundidad, al tiempo que la variedad de texturas y algunos fragmentos
reconocibles y concretos , como el bigote, la pipa o el cuello de piel, que nos
hablan de un personaje distinguido, que incluso luce el prestigioso distintivo
de la legion d´honneur en la solapa, quizás por este motivo titula este cuadro
como “Cabeza de hombre con pipa”- EL Elegante.
“ El fumador” de JUAN
GRIS
Considerado una de
las principales figuras del movimiento cubista.
Estudio Arte en Madrid y cuando
se traslada a Francia decide abandonar su verdadero nombre y adoptar el seudónimo
de Juan Gris. Allí conoce a Picasso y a Braque , continua la técnica del papier
collé, que estos ya dominaban y que por entonces iban encaminados en una nueva dirección
más conceptual y sintética, más sencillas y planas.
En este oleo Juan
Gris acentúa una serie de elementos característicos del personaje, como el
cuello duro de la camisa, la corbata de lazo o el sombrero de copa, por lo que
se cree se trata de un retrato de Frank Haviland, un rico americano que solía
vestir así.
Los hombros y el cuello dan una gran estabilidad a la composición,
y para sugerir profundidad nos presenta la figura desde distintos puntos de
vista, lo que hace que algunas de sus partes sean difíciles de reconocer
La nota discordante
de este orden geométrico la pone la línea del humo del cigarrillo, que cambia
de color. Además de las referencias esquematizadas de la nariz, la oreja y la
barbilla, cercanas a la caricatura.
Ahora bien, lo que
distingue la obra de Juan gris es sin
duda la incorporación del color. Los grandes planos verdes, azules, naranjas o
rojos dotan a la obra de este autor de una especial originalidad.
“ Sueño causado por el vuelo de una abeja
alrededor de una granada un segundo antes del despertar” de SALVADOR DALI
Titulo largo y surrealista
para esta “fotografía onírica pintada a mano”, como llamaba el propio Dali a
sus cuadros
Tan surrealista como
es el título , lo es lógicamente esta obra en la que contemplamos un paisaje
marino de lejanos horizontes y tranquilas aguas, en medio del cual, Gala
protagoniza la escena.
Junto a su cuerpo
desnudo y dormido, levitando sobre una roca plana, que a su vez flota sobre el
mar, Dali coloca dos gotas de agua suspendidas y una granada, símbolo cristiano
de fertilidad y resurrección.
Sobre ella vuela una abeja, insecto que
tradicionalmente simboliza a la Virgen.
El zumbido de la abeja se traduce en la
mente de Gala en un sueño en el que la explosión de la granada de la parte
superior hace que salga despedido de su interior un enorme pez, del que a su
vez, surgen dos amenazantes tigres y una bayoneta; esta será la que un segundo más
tarde aguijoneará a Gala en el brazo.
Sobre ellos, un elefante con largas patas
de flamenco, lleva sobre su espalda un obelisco que simboliza el poder del Papa.
Para comprender el
Arte de Dali hay que analizar la relación de la imagen con los textos de Freud
sobre la interpretación de los sueños…
Lo que no cabe duda es que era un Genio, y te
puede gustar o no su pintura, pero seguro que no te deja indiferente.
A mí en particular me
encanta, aun sin saber analizarla, como es lógico. Siempre me pareció especial,
un poco loco, pero lleno de ternura. En concreto una pintura con varios relojes
siempre me encantó y sin saber porque su Cristo me ha puesto los pelos de punta,
cada vez que lo he visto…ahora todavía le admiro más.
Desde siempre me llamó la atención su forma
extravagante de vivir, de ser, y todo ese halo fantástico que le rodeó, convirtiéndole
en uno de los artistas más polémicos y a la vez más conocidos del siglo XX.
Comenzó su carrera artística Dali en Figueras y después se traslado a Madrid, donde conoció a Federico García
Lorca, colaborando con él , en el diseño del decorado y escenario donde se representarían
sus obras, o a Buñuel, al que le haría los carteles de sus películas.
En 1930 desarrollo su
personal método pranoico-critico, convirtiéndose en una figura esencial dentro
del movimiento surrealista.
Según este método, inventado por el mismo, y basándose
en las teorías freudianas de la interpretación de los sueños, cada imagen podía
estar sometida a dobles lecturas, creando un universo de símbolos y de
obsesiones inspiradas en el psicoanálisis pero relazadas cuidadosamente con un estilo
realista.
Hay que tener muy
en cuenta la relación que tuvo con su mujer, y musa, Gala, fundamental en toda
su carrera y con la que se traslada a EEUU en el 1941 y donde el pintor se
dedica a decorar escaparates, hacer escenografías
para películas de Hollywood o diseñar portadas para la revista Vogue, quedándole
poco tiempo para pintar.
Aunque sus temas tendían
entonces hacia una religiosidad sentimental que le habían llevado a dejar atrás
su etapa de surrealismo ortodoxo, donde daba rienda suelta al mundo de los
sueños como en esta composición, donde nos muestra además de un titulo súper
largo y difícil de entender, su intención de darle un carácter rigurosamente psicoanalítico.
Ya he visitado el museo Sorolla, el del Romanticismo y el de Cerralbo,
siempre con visita guiada y por supuesto que en todos ellos hay una gran colección de
Pinturas pero también hay expuestas otras obras de arte , mobiliario etc
Hoy he decidido acompañar a mi amiga y compañera Mari Sol a ver esta "PINACOTECA", con mayúsculas y me parece casi inverosímil que no me separase de la guía, que disfrutara con lo que nos decía
y hacer que descubriera un mundo nuevo al intentar entender no solo lo que a
simple vista se veía en las obras, sino intentar ir más allá y comprender lo
que en realidad sus autores veían y querían que viésemos…
Entusiasmada llegue a casa y me puse a investigar y a recopilar datos sobre
las obras a las que había hecho alguna foto.
Realmente me ha fascinado la nueva experiencia.
Lógicamente con las magistrales explicaciones de la guía, ya que si no,
estoy segura que hasta me habría “cansado” de observar y mirar, sin llegar a ver…
Cuando hemos salido nos hemos ido a comer con otra amiga de Mari Sol al Restaurante SAMARKANDA
